¿Cuando y donde surgió?:
movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Características:
• surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta.
• se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda
• El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela.
• Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción.
• Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.

Sobre el autor y la obra:
Mauerfalle, Georg Baselitz
nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.
Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.

Bibliografía y webs sugeridas:
• Wikipedia.com

Hiperrealismo

¿Cuando y donde surgió?:
Pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX
Características:
• propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía
• el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
• el extremo acabado de las pinturas los pintores hiperrealistas tratan de no dejar marcas de pinceladas sobre el lienzo hasta casi hacer parecer que una persona no fue capaz de hacer semejante trabajo.

Sobre el autor y la obra:
Susana Pomidoro
Artista argentina poco conocida, especialista en paisajes y en animales.
Según sus palabras, "agarré el lápiz antes para pintar que para escribir". En cuanto a su trabajo, nos dice que el cuadro lo realiza "pelo por pelo, se comienza desde el fondo hasta hacer entre treinta y cuarenta capas y una obra lleva aproximadamente unos seis meses de trabajo, de diez horas por día... el trabajo se hace en base a fotos a través de las que se estudia el movimiento y la textura, en definitiva, hasta el más mínimo detalle"

Bibliografía y webs sugeridas:• Apunte de morfología.
• http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo
• http://manudeop.blogia.com/temas/artistas-latinoamericanos.php

ARTE OPTICO u OP-ART

¿Cuando y donde surgió?:
Movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958
Características:

• corriente artística abstracta
• basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
• Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro
• se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos.
• Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
• Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.
• ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas
• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas
• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Sobre el autor y la obra:
Nació en Pecs en el año 1908, fue alumno del Bauhaus de Budapest (la Academia Mühely) en 1929.
Se trasladó a vivir a París en el año 1939. Hasta 1947 Vasarely no aborda directamente la investigación óptica y cinética, aunque pueden hallarse jalones anticipadores en su obra precedente del grafista y en su reflexión teórica. A partir de 1944 Vasarely aborda la abstracción: en ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico.
La conquista del cinetismo aparece en filigrana en la obra de Vasarely. Es el fruto de una labor dura. La forma-color, la unidad plástica, las polarizaciones "corpusculares" u "ondulatorias" que son los fundamentos de su lenguaje están prefigurados por el "Étude Bleue" (1930) y la serie de "Zébres" (1932/1942). A partir de estos datos antiguos el artista progresó en la perspectiva abierta del "Manifeste Jaune" de 1955, pasando de la pintura de caballete a la pared y de la superficie al volumen, introduciendo materiales nuevos como el aluminio o el vidrio, preparando la integración de sus obras en la arquitectura, lo que constituye finalmente su objetivo supremo: la decoración mural en homenaje a Malevitch en la Ciudad Universitaria de Caracas tiene el valor de un símbolo. Vasarely ha hecho de la policromía arquitectónica una de las mutaciones capitales del presente aportando así al hábitat la armonía y la dicha: es el pionero prospectivo del urbanismo social del mañana.
El teórico y líder del arte cinético recoge el mensaje de los grandes precursores constructivistas y de los maestros del Bauhaus, elevándolo a la potencia vitalista de una civilización-cultura planetaria. La amplitud de miras y la riqueza de las invenciones han convertido a Vasarely, al mismo tiempo, en el caso-límite y la referencia de la segunda ola del talante geométrico. Anuncia y domina la casi totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero, en especial toda la estética programada y hasta el el op-art anglosajón.
Por su sensibilidad, asume la síntesis histórica entre un Mondrian y un Albers.

Bibliografía y webs sugeridas:
• Apunte de morfología.
• http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_%C3%93ptico
• http://pintura.aut.org/

Pop Art

¿Cuando y donde surgió?:
Surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.
Características:
• se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos».
• Emplea imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
• Contiene un valor iconográfico de la sociedad de consumo.
• Manifestación plástica de la cultura pop, caracterizada por la tecnología, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
• toma del pueblo los intereses y la temática.
• Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc.


Sobre el autor y la obra:
Marilyn Monroe, Andy Wahrol.
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.
Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.
“Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte.

Bibliografía y webs sugeridas:
• Apunte de morfología.
• http://www.arteespana.com/artepop.htm
• http://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:EuiU_hXdXTwJ:arteartistico.iespana.es/segundaseis.htm+pop+art+marilyn+monroe+analisis&cd=6&hl=es&ct=clnk&gl=ar&lr=lang_es

ARTE ABSTRACTO

¿Cuando?:

surgió alrededor de 1910

¿Como?:

El propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado, el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica o informalismo. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a otro tipo de abstracción, las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Por lo tanto, ya desde sus comienzos, el arte abstracto ha tendido hacia dos polos: uno, cuyos orígenes se remontan al fauvismo, es libre y lírico; el otro, inspirándose más en el cubismo, es rigurosamente geométrico.

¿Que?:

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

Sobre el autor y la obra:

Cuadrado negro sobre cuadrado blanco. Malevich

Creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado Suprematismo. Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo, cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico. También practica un uso restrictivo del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro.La primera manifestación de esta tendencia es Cuadrado negro sobre fondo blanco y su obra más radical es Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Es un cuadrado blanco suspendido en un fondo blanco con una ligera modificación en la textura y en la intensidad del blanco para distinguir las figuras y el fondo. El cuadrado es la forma más elemental, y al suprimir el color, elimina cualquier resto simbolismo cromático.

Sobre el autor:

Rusia. (1878-1935)

Nació en Kiev en 1878. Influído en sus primeras obras por el impresionismo y por el cubismo, creó en 1913 el movimiento denominado suprematismo, una forma de abstracción geométrica. Malevich condena el arte representativo, al que considera un robo a la naturaleza, y define que el artista debe construir "sobre la base del peso, la velocidad y la dirección del movimiento"; la obra de arte puede existir como algo totalmente independiente de la imitación del mundo exterior y debe basarse en formas geométricas muy simples sobre fondos lisos.

Obtuvo la confianza oficial del gobierno de la revolución rusa y fue en 1919 profesor de la Academia de Moscú y en 1922 director del Instituto de Cultura Artística de Leningrado. En 1926 visitó el Bauhaus de Weimar, conoció a Wassily Kandinsky y publicó un libro sobre su teoría artística con el título de "El mundo de la no-figuración". Más tarde, con el advenimiento del realismo socialista, Malevich cayó en desgracia y acabó sus días en la pobreza y en el olvido.

Falleció en Leningrado en el año 1935.

Webs sugeridas:

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=http://www.arteespana.com/imagenes/kandinsky2.jpg&imgrefurl=http://www.arteespana.com/pinturaabstracta.htm&usg=__BFh9dQi84BBMjpn4yCOB4NmtibI=&h=432&w=350&sz=32&hl=es&start=3&itbs=1&tbnid=OSzNfenY7yPzqM:&tbnh=126&tbnw=102&prev=/images%3Fq%3Dpintura%2Babstracta%26hl%3Des%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1

http://images.google.com.ar/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheyu9pVzLQmLZlpyrPbRoEP89TeKYwCJLFNLbMJqQBFNUQnod_VDegaygwFne_oomHa3zQ5ko920MQl8Prol0ULqvPg3dPS0pqhPao1oqyJiWwKJ3EjgDMG1idwiFZPI3ZyrYIF-T0N242/s400/supremus-56-malevich.jpg&imgrefurl=http://artcontemporani.blogspot.com/2009/01/vanguardia-rusa-neoplasticismo-y.html&usg=__1WzzNpY0bgzRvbSq3eI_P4shcJc=&h=400&w=354&sz=26&hl=es&start=11&um=1&itbs=1&tbnid=yKHlDCuYfi55GM:&tbnh=124&tbnw=110&prev=/images%3Fq%3Dcuadrado%2Bnegro%2Bsobre%2Bfondo%2Bblanco%2Bmalevich%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26tbs%3Disch:1

FUTURISMO

¿Donde?:

surge en Italia

¿Cuando?:

En el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

¿Como?:

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

¿Que?:

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:

"Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer."

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Sobre el autor y la obra:

Dinamismo de un ciclista. Umberto Boccioni

Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que expresan el desánimo. Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influido por Cézanne.

Es una de las primeras pinturas futuristas de exaltación de la idea del movimiento. La pintura futurista utilizó las teorías del color de los impresionistas y el principio de las visiones simultáneas de los cubistas para la representación de la forma y el espacio, para la expresión de ideas dinámicas. En este cuadro Boccioni (1913) deja bien patentes las tendencias cubistas y el conocimiento de las teorías del color. Pero más evidente aún es la utilización de ritmos dinámicos rectos y curvos para aglutinar los instantes cambiantes de un movimiento.

Sobre el autor:

Italia. (1882-1916)

Fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo.

Utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración; expresa el movimiento presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus esculturas intentaba ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.

Falleció el 16 de Agosto de 1916 a consecuencia de una caída de caballo.

Webs sugeridas:

http://www.arteespana.com/futurismo.htm

http://contemporaneablogarte.blogspot.com/2008/03/el-futurismo.html

CUBISMO

¿Donde?:

Nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

¿Cuando?:

Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914,

¿Como?:

El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y Marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De entonces en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

¿Que?:

El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos. Existen tres etapas en el cubismo: El Cubismo primitivo o Período Cézannesco (1907-1909): representado por las señoritas de avignon.(Pablo Picasso)

Cubismo analítico (1910-1912): presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris.

Cubismo sintético (1913- 1914): emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas en el aspecto pictórico tiene mucha relación con el cubismo primitivo. Se caracteriza por la ruptura de todo procedimiento imitativo.

El cubismo tuvo una gran influencia por las teorías relativistas de Albert Einstein, el cual, estableció que es imposible determinar un movimiento. Un objeto puede parecer estar quieto o moviéndose según la perspectiva desde la cual se considera.

Características en la pintura Representa los objetos seleccionados en cubos como si fueran cristales. Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras, No se recurre a las perspectivas.

Sobre el autor y la obra:

Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso.

Al analizar “Las señoritas de Avignon” nos damos cuenta, en primer lugar, de que es un cuadro que modifica las reglas iconográficas tradicionales que, no obstante, hereda.

En esta obra podemos constatar varios fenómenos interesantes, la postura de la figura femenina central con ambos brazos levantados recuerda en parte a la postura de las majas de Goya, así mismo la concepción espacial del cuadro a base de prismas nos expone la concepción pictórica moderna del artista. En cierta medida ,las 5 figuras centrales en el espacio prismático, nos hacen comprender la opinión de Daniel-Henry Kahnweiler, marchante del autor, en su sorpresa inicial al afirmar que eran como cubos.

Las mismas figuras, si el espectador las observa bien, conllevan esa impresión de estar pintadas a base de esquemas geométricos y prismas. La influencia africana en los rostros deformes violando la iconografía vigente y la búsqueda del ideal de Belleza, son además corroborados por la impresión que deja Picasso en la obra: mantiene en jaque a la tradición , incluso desde un punto de vista formal, al exponer a cinco mujeres de alterne o prostitutas como motivo central de un cuadro de notables dimensiones, en sendos desnudos provocativos y agresivos donde la deformación de las proporciones anatómicas de los personajes es obvia.

Valga como ejemplo la mujer que aparece abierta de piernas en el lado derecho de la composición ; muestra un tema y estética poco común por su dosis de sexualidad explícita. En la historia de la pintura las prostitutas habían sido poco representadas y sólo Manet en la modernidad formará un escándalo similar en la época con su famosa Olimpia defendida a ultranza por su gran amigo y escritor Emile Zolá.

Esta pintura es, a su vez, se quiera o no, una defensa y exposición de las lacras sociales de la época, tergiversando el papel tradicional dado a la pintura clásica y a los pintores. La falta de imitación de la realidad figurativa como tal es, como bien sabemos, algo propio de las vanguardias , al romper con los presupuestos de la pintura clásica.

Sobre Picasso:

España. (1881-1973)

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su rapidez e intuición: un desnudo masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista, aquella horda de rebeldes, hedonistas y vitales, que leen a Nietzsche y escuchan a Wagner. Se llaman Rusiñol, Casas, Utrillo. Se traslada a París y elige, como maestros a Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne. Acierta al escoger su nombre de guerra (con dos eses, como Matisse, Poussin o Rousseau), y acierta al emigrar a otra patria.

La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros estan basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó en cientos de litografías; se interesó por la cerámica, realizando unas dos mil piezas, además de importantísimas esculturas y grabados con los que retornó a los temas primitivos: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo.

Falleció el 8 de abril de 1973, sus restos fueron trasladados al castillo de Vauvenargues, al pie de la montaña Sainte-Victoire, la amada de Cézanne que asistió a su derrumbe final. Una tormenta de nieve, inesperada y anómala en aquella época del año, acompañó el entierro, como si la naturaleza, cuyo fruto tempestuoso había sido el artista, quisiera participar en el adios

Webs sugeridas:

• http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
• http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=http://perso.wanadoo.es/alonsocano1601/Cano13/avignon.jpg&imgrefurl=http://perso.wanadoo.es/alonsocano1601/Cano13/Museos%2520de%2520Madrid%25202.htm&h=392&w=375&sz=30&tbnid=9IVy4iyo8D5b8M:&tbnh=230&tbnw=220&prev=/images%3Fq%3Dlas%2Bse%25C3%25B1oritas%2Bde%2Bavignon&hl=es&usg=__0qSO-34Joqn1c6YF_Bz488xD69Y=&ei=MKTPS5qXC8-ruAeYn6jiBg&sa=X&oi=image_result&resnum=1&ct=image&ved=0CAYQ9QEwAA
• http://pintura.aut.org/

FAUVISMO

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Sobre la obra y el autor:

Henri Matisse (1869-1954)

Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir(1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.

Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.

Webs sugeridas:

• http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

EXPRESIONISMO

¿Donde?:

surgido en Alemania

¿Cuando?:

a principios del siglo XX. El Expresionismo estuvo muy marcado por el pesimismo que reinaba en la Europa de entreguerras, lo que les llevó a representar el miedo, el horror y la fealdad en muchas de sus obras.

¿Como?:

La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo. Destrucción del espacio tridimensional. Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.Aglomeración de formas y figuras. En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos y/o de líneas curvas y trazos más sosegados. Colores intensos y contrastados. Ausencia de carácter decorativo.

¿Que?:

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador.

Sobre la obra:

El Gito. Edward Munch

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

El cuadro es abundante en colores rojizos de fondo, colores oscuros y la figura principal es una persona aparentemente sin cabello en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se notan dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir. El cielo parece fluido y arremolinado, de colores rojizos cambiantes, igual de arremolinado que el resto del fondo.

Sobre el autor:

Edvard Munch (1863-1944)

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

Bibliografia y paginas web sugeridas:

• http://www.arteespana.com/expresionismo.htm
• http://es.wikipedia.org/wiki/El_grito
• http://enfoqueciudadano.files.wordpress.com/2009/02/munch-scream22.jpg
• http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo

NEOIMPRESIONISMO

Neo-impresionismo es una palabra creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

El neoimpresionismo también es conocido con el nombre de divisionismo y puntillismo. En realidad se trata de un impresionismo radical, en cierta manera disidente, que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de Michel Eugène Chevreul. Sin embargo, sus cuadros se diferencian netamente del impresionismo clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color. Las figuras se hacen geométricas. No se mezclan loscolores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos. Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. El impresionismo se hace consciente de su técnica. Además, estaba siendo aceptado como un nuevo academicismo. Exponen en el Salón de los Independientes, rechazados por la exposición oficial.

Los puntillistas vuelven al estudio, ya que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja, que no se puede hace en un momento. La obra resultante suele pecar de rigidez y artificialidad. Los temas continúan siendo los típicos del impresionismo, incluso se hace más hincapié en el tiempo de ocio burgués. Como latécnica no permite la espontaneidad, el divisionismo lo practicaron pocos pintores, aunque muchos se interesaron por él.

Sobre el autor y la obra:

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. De Georges Pierre Seurat.

Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos bocetos y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y formas. El cuadro tiene aproximadamente 2 x 3 m. Fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista, en 1886.

Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como puntillismo, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el Instituto de Arte de Chicago.

Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento "Amarillo de zinc", más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y azules. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat.

Sobre el autor:

Francia. (1859-1891)

Nacio El 2 de Diciembre de 1859 en París y alli Estudio en la Escuela de Bellas Artes, dónde son los cantantes Trabajo Bajo la Dirección de la ONU discípulo "de Ingres y Estudio asiduamente Las Obras de Poussin, Rafael y Holbein.

En 1882 sí concentró en El Estudio del blanco y del negro y dibujo pecado Otros ensayar Con colores. Desde El Momento imprimación RECHAZO El Efecto de las Barroso Pinturas impresionistas Inventando La Técnica mas Científica del puntillismo, consistente en Construir Las Formas sólidas à partir de la Aplicación de muchos pequeños Puntos de colores puros Más sobre Fondo Blanco.

Es considerado Como UNO de los Maximos Representantes del neoimpresionismo, en SUS Obras Muestra Las excursiones y distracciones Las de los Días festivos.

Falleció en París el 29 de marzo de 1891.

Autores:

Los puntillistas

Paul Signac (1863-1935) es la otra gran figura del divisionismo. Es el gran teórico del puntillismo, escribió De Delacroix al neoimpresionismo, donde expone sus ideas. En sus obras pretende potenciar al máximo la luz, el color y la armonía. La fusión óptica cromática la debe de hacer el espectador. Utiliza pigmentos y colores puros. Da mucha importancia a la composición del cuadro. Entre sus obras destacan El puerto de Saint-Tropez, Mujer ante el espejo, Muchacha empolvándose y Vista del puerto de Marsella.

Georges Seurat (1859-1891) es quien antes plasma en una obra de arte la nueva técnica. Se caracteriza por la fragmentación de la línea en puntos de color. Sus puntos son extremadamente pequeños. Sus figuras son, básicamente, geométricas. Entre sus obras destacan Una tarde de domingo en la Grande Jatte, Un baño en Asnières y El circo, obra en la que trata de introducir movimiento, aunque resulta muy artificiosa.

Otros pintores que ejercieron este estilo fueron Charles Angrand: Pilas de heno, Henri-Edmond Cross: El puerto de Toulon, Maximilien Luce: Calle de Pont-Aven, los belgas Henri Clemens van de Velde y Theodore van Rysselbergh, y los italianos Gaetano Previati, Daniele Ranzoni y Giovanni Segantini.

Webs sugeridas:

• http://www.pastranec.net/arte/sigloxix/neoimpresionismo.htm
• http://pintura.aut.org/
• http://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jatte